Rose (Rosa sepium rosea) by Pierre Joseph Redouté, 1817
Obra de arte auténtica
La obra de arte que imprimimos se restaura fielmente a partir de la fuente original, normalmente un museo, biblioteca o colección privada. Nunca sustituimos, redibujamos ni inventamos la obra del artista utilizando IA generativa.
Restaurada en nuestro taller de Londres a partir de la obra original de 1817 e impresa en calidad museo. Descripción completa
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Se incluyen las configuraciones estándar hechas por encargo. Quedan excluidos los tamaños a medida, los diseños personalizados y los trabajos por encargo.
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Restaurado en Londres • Impreso y enmarcado en Canada
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Restaurado a partir de la obra original de 1817 e impreso en calidad museo. Descripción completa
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Pierre-Joseph Redouté’s Rosa Sepium Rosea (1817–1824), dated 1817, gives a single rose branch the poise of a formal portrait. Two open flowers...
Seguir leyendoPierre-Joseph Redouté’s Rosa Sepium Rosea (1817–1824), dated 1817, gives a single rose branch the poise of a formal portrait. Two open flowers occupy the centre, their pale pink petals gathered around intricate golden-yellow stamens, while a smaller, partially opened bloom extends towards the lower left. Deep green leaves and the gently curving stem establish a strong diagonal movement, balanced by the spacious, almost empty ground surrounding the specimen.
The study belongs to the great early nineteenth-century flowering of botanical illustration, when exact observation and cultivated elegance were closely intertwined. Redouté was among the period’s most accomplished botanical artists, admired for bringing exceptional clarity and refinement to the description of plants. His celebrated rose studies were published between 1817 and 1824, during the Romantic era, and addressed an audience interested not only in botany and horticulture but also in the visual pleasures of collecting, classification and the garden. Here, scientific attention never becomes dry: the rose remains recognisably organic, its forms irregular, layered and alive.
A closer look
The composition unfolds along an asymmetric branch rather than presenting the plant as a rigid diagram. From the slender lower stem, the eye moves upwards through alternating clusters of serrated leaves before arriving at the two principal blossoms. One flower faces the viewer more directly; the other turns slightly, allowing the overlapping petals to build a greater sense of volume. Their pink is modulated from near-white highlights to warmer colour within the folds, creating softness without obscuring the structure of each bloom.
Redouté gives the foliage equal descriptive weight. Fine veins divide the leaves into delicate networks, while changes in angle produce a varied sequence of light and dark greens. In the upper right, overlapping leaves deepen the composition and counterbalance the open space elsewhere. Small thorns punctuate the stem, and the developing flower at lower left introduces another stage in the plant’s growth. These details make the branch more than an arrangement of attractive blooms: it becomes a compact account of habit, surface and anatomy.
The pale ground is an active part of the design. With no landscape or ornamental setting to compete for attention, every contour remains legible, from the finely toothed leaf margins to the slender filaments at the heart of the flowers. Beneath the specimen, the botanical name Rosa sepium rosea is paired with the French description Rosier des haies à fleurs roses, anchoring the graceful composition within the conventions of botanical study.
Context and significance
Redouté worked at the meeting point of art, horticulture and natural history. His career was shaped by the intense European interest in cultivated and newly documented plants, as gardens and botanical publications became important sites of scientific enquiry as well as refined taste. He was particularly associated with flower subjects, and roses offered an ideal test of his abilities: their layered petals demanded subtle tonal transitions, while leaves, stems and thorns required disciplined precision.
Rosa Sepium Rosea demonstrates why his work has remained so compelling. It records the identifying structures of a plant, yet its curved silhouette, measured intervals and restrained palette give the branch an independent compositional grace. The result is both botanical evidence and a carefully orchestrated study of pink, green and open space.
Choosing the right size and finish
Artwork can feel intimate at smaller sizes and dramatically more architectural at larger ones. Use the room preview, model image and size guide to see how the proportions and scale will work in your space.
If you need an exact size, specialist framing or help planning a larger display, ask our workshop for advice.
The model in the listing images is holding the 18x24in (45x60cm) version of this art print.
Where personalisation is available, you can add a short title or dedication, or one considered visual detail. See examples of personalised artwork.
Choose Original to retain the colour and character of the source artwork, or Aged for a warmer, more antique appearance. See examples of our Aged artwork.
Every piece is produced to archival standards using fade-resistant pigment inks on acid-free matte art paper. Choose an art print, framed art print or framed canvas using the finish options above.
Framed art prints use crystal-clear optical acrylic for excellent clarity, lower weight and safer delivery than glass. Each piece arrives professionally framed and ready to hang.
Selected artworks can be produced at statement sizes up to 3 metres (10ft). Custom sizing and specialist framing are also available. If the exact option you need is not listed, contact our workshop.
This artwork is also available as a float framed canvas, sometimes known as a shadow gap framed canvas or canvas floater. The work is printed on artist's cotton canvas and then stretched over a handmade box frame. We then "float" the canvas inside a wooden frame, which is available in a range of colours (black, dark brown, oak, antique gold and white). This is a wonderful way to present an art print without glazing in front. See some examples of float framed canvas art and explore the differences between my different finishes.
Pierre-Joseph Redouté’s Rosa Sepium Rosea (1817–1824), dated 1817, gives a single rose branch the poise of a formal portrait. Two open flowers occupy the centre, their pale pink petals gathered around intricate golden-yellow stamens, while a smaller, partially opened bloom extends towards the lower left. Deep green leaves and the gently curving stem establish a strong diagonal movement, balanced by the spacious, almost empty ground surrounding the specimen.
The study belongs to the great early nineteenth-century flowering of botanical illustration, when exact observation and cultivated elegance were closely intertwined. Redouté was among the period’s most accomplished botanical artists, admired for bringing exceptional clarity and refinement to the description of plants. His celebrated rose studies were published between 1817 and 1824, during the Romantic era, and addressed an audience interested not only in botany and horticulture but also in the visual pleasures of collecting, classification and the garden. Here, scientific attention never becomes dry: the rose remains recognisably organic, its forms irregular, layered and alive.
A closer look
The composition unfolds along an asymmetric branch rather than presenting the plant as a rigid diagram. From the slender lower stem, the eye moves upwards through alternating clusters of serrated leaves before arriving at the two principal blossoms. One flower faces the viewer more directly; the other turns slightly, allowing the overlapping petals to build a greater sense of volume. Their pink is modulated from near-white highlights to warmer colour within the folds, creating softness without obscuring the structure of each bloom.
Redouté gives the foliage equal descriptive weight. Fine veins divide the leaves into delicate networks, while changes in angle produce a varied sequence of light and dark greens. In the upper right, overlapping leaves deepen the composition and counterbalance the open space elsewhere. Small thorns punctuate the stem, and the developing flower at lower left introduces another stage in the plant’s growth. These details make the branch more than an arrangement of attractive blooms: it becomes a compact account of habit, surface and anatomy.
The pale ground is an active part of the design. With no landscape or ornamental setting to compete for attention, every contour remains legible, from the finely toothed leaf margins to the slender filaments at the heart of the flowers. Beneath the specimen, the botanical name Rosa sepium rosea is paired with the French description Rosier des haies à fleurs roses, anchoring the graceful composition within the conventions of botanical study.
Context and significance
Redouté worked at the meeting point of art, horticulture and natural history. His career was shaped by the intense European interest in cultivated and newly documented plants, as gardens and botanical publications became important sites of scientific enquiry as well as refined taste. He was particularly associated with flower subjects, and roses offered an ideal test of his abilities: their layered petals demanded subtle tonal transitions, while leaves, stems and thorns required disciplined precision.
Rosa Sepium Rosea demonstrates why his work has remained so compelling. It records the identifying structures of a plant, yet its curved silhouette, measured intervals and restrained palette give the branch an independent compositional grace. The result is both botanical evidence and a carefully orchestrated study of pink, green and open space.
Choosing the right size and finish
Artwork can feel intimate at smaller sizes and dramatically more architectural at larger ones. Use the room preview, model image and size guide to see how the proportions and scale will work in your space.
If you need an exact size, specialist framing or help planning a larger display, ask our workshop for advice.
The model in the listing images is holding the 18x24in (45x60cm) version of this art print.
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This artwork is also available as a float framed canvas, sometimes known as a shadow gap framed canvas or canvas floater. The work is printed on artist's cotton canvas and then stretched over a handmade box frame. We then "float" the canvas inside a wooden frame, which is available in a range of colours (black, dark brown, oak, antique gold and white). This is a wonderful way to present an art print without glazing in front. See some examples of float framed canvas art and explore the differences between my different finishes.
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Todos mis mapas y impresiones artísticas están bien empaquetados y enviados en un tubo resistente si no están enmarcados, o rodeados de espuma si están enmarcados.
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Mi marco estándar es un marco de madera de fresno negro estilo galería. Es simple y tiene un aspecto bastante moderno. Mi marco estándar tiene alrededor de 20 mm (0.8 in) de ancho.
Utilizo acrílico super claro (perspex/acrylite) para el vidrio del marco. Es más ligero y seguro que el vidrio, y se ve mejor, ya que la reflectividad es menor.
Seis colores de marco estándar están disponibles de forma gratuita (negro, marrón oscuro, gris oscuro, roble, blanco y oro antiguo).El enmarcado y montaje/matizado personalizado está disponible si buscas algo diferente.
La mayoría de los mapas, arte e ilustraciones también están disponibles como un lienzo enmarcado. Utilizamos lienzo de algodón mate (no brillante), lo estiramos sobre un marco de madera de caja de origen sostenible, y luego 'flotamos' la pieza dentro de un marco de madera. El resultado final es bastante hermoso, y no hay cristal que se interponga.
Todos los marcos se proporcionan "listos para colgar", con una cuerda o soportes en la parte posterior. Los marcos muy grandes tendrán placas de colgar de alta resistencia y/o un listón de montaje. Si tienes alguna pregunta, por favor ponte en contacto.
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Si deseas enmarcar tu mapa o obra de arte tú mismo, por favor lee mi guía de tamaños primero.
Trabajamos con diseñadores de interiores, empresas de hostelería, profesionales inmobiliarios, oficinas y compradores corporativos en piezas individuales y proyectos coordinados de mayor envergadura.
Esta obra puede adaptarse a una pared, estancia o proyecto concretos, y nuestro taller puede ayudar a coordinar las dimensiones, el material y el enmarcado antes de la producción.
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Cada impresión artística restaurada comienza con la obra original del artista; nunca con un reemplazo generado por IA.
Nuestro estudio de Londres trabaja a partir de material de origen cuidadosamente seleccionado de museos, bibliotecas, archivos y colecciones privadas. Restauramos el deterioro por el paso del tiempo, la coloración desvaída y las imperfecciones de reproducción, preservando al mismo tiempo la composición, la pincelada, el trazo, la textura y el carácter de época del artista.
No utilizamos IA generativa para redibujar, reinterpretar ni inventar la obra. La restauración digital se emplea únicamente para recuperar y reproducir la obra original con la mayor fidelidad posible.
Una vez restaurada, la obra maestra se prepara para el tamaño y el acabado que haya elegido. Después, su pieza se imprime y, cuando se selecciona, se enmarca cerca de su destino de entrega.
Nuestras impresiones artísticas giclée utilizan papel mate de archivo libre de ácido de 200 g/m² y tintas de pigmento resistentes a la decoloración para ofrecer un acabado rico, de calidad museística. Las impresiones artísticas enmarcadas utilizan acrílico óptico cristalino y llegan listas para colgar.
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Llevamos restaurando y produciendo mapas y láminas artísticas desde 1984, y respondemos por cada pieza.
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